CELEBRAR LA DEMOCRACIA

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado a petición del Gobierno de la Segunda República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En 1944, debido a la situación por la que atraviesa España tras la guerra civil, la dictadura militar del general Franco, y las circunstancias por las que pasa Europa a causa de la segunda guerra mundial,  Picasso toma la decisión de que el Guernica se quede momentáneamente en el MoMA de Nueva York hasta que se restauren la República y las libertades democráticas en el estado español.  En 1981 la obra llegó finalmente a España y desde 1992 está en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

El cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario, constituye un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días. 

Constitución española

Título I. De los derechos y deberes fundamentales

Capítulo segundo. Derechos y libertades

Sección 1.ª De los derechos fundamentales y de las libertades públicas

Artículo 20

1. Se reconocen y protegen los derechos:
   a) A expresar y difundir libremente los pensamientos, ideas y opiniones mediante la palabra, el escrito o cualquier otro medio de reproducción.
   b) A la producción y creación literaria, artística, científica y técnica.
   c) A la libertad de cátedra.
   d) A comunicar o recibir libremente información veraz por cualquier medio de difusión. La ley regulará el derecho a la cláusula de conciencia y al secreto profesional en el ejercicio de estas libertades.
2. El ejercicio de estos derechos no puede restringirse mediante ningún tipo de censura previa.

Constitución, zona joven

LA BIBLIOTECA

Un  24 de agosto  del año 1992 ardió una de las bibliotecas más importantes de Europa. Esto ocurrió en la guerra de los Balcanes, durante el Cerco de Sarajevo (1992-1996). La ciudad catalizador de culturas, etnias y religiones, cosmopolita y ejemplo de convivencia estaba rodeada de colinas desde donde fue cercada,  hostigada y bombardeada por el ejercito serbio.

"El incendio de 1992 destruyó centenares de miles de libros y numerosos incunables. Varios miles de volúmenes pudieron ser salvados en los primeros momentos del incendio, cuando los empleados de la biblioteca, arriesgando sus vidas, comenzaron a arrojar libros y documentos por las ventanas. [...] 

La biblioteca era una rótula, un punto de unión y de encuentro entre las distintas culturas representadas en una ciudad, que llegó a ser considerada como la segunda capital del Imperio Otomano. La joya de la posesión turca en Europa. Quienes ordenaron el ataque quisieron destruir esa rótula, para reconfigurar la historia. Atacaron el pasado y también el presente más inmediato." El hombre que incendió la biblioteca

Gervasio Sánchez. Biblioteca de Sarajevo

El haz de luz que atraviesa la sala destrozada de la biblioteca de Sarajevo embellece su terrible atmósfera. La publiqué por primera vez en agosto de 1993. Con el paso del tiempo se ha convertido en un icono de la barbarie. La tomé el último domingo de junio sobre las nueve y media de la mañana. Nunca pensé que esa fotografía entraría en los museos. Nació para documentar el horror de la guerra, la incapacidad del hombre para vivir sin matar a su vecino.

Huffington post. Gervasio Sánchez

Latitudes

SONIA DELAUNAY

Sonia Delaunay en su estudio

Sonia Delaunay es famosa, ante todo, por haber fundado con su marido Robert Delaunay, el movimiento artístico llamado “Cubismo órfico”, terminología procedente del conocido poeta de los artistas vanguardistas, Guillaume Apollinaire. El Orfismo se reivindica como el nivel superior de la creación pictórica, es decir, como una forma de creación totalmente pura. Los artistas no utilizan la figuración, pero traducen su afán de creación combinando colores y formas, simbolizando así el vínculo entre el cubismo y la abstracción. También rechazan todo modo de reproducción mecanizada de la realidad, logrando una pintura destinada únicamente a emocionar y transmitir sensaciones al espectador.

La composición se organiza en una serie de círculos coloreados combinados alrededor de puntos. Aparece una cierta continuidad visual entre estos discos luminosos pudiendo ser el resultado de la ley de contrastes. El concepto de ritmo y de la combinación armónica de matices apunta sin duda, a un paralelo con la creación musical. El titulo mismo del portafolio hace eco a la figura mitológica de Orfeo, que siempre acompaña sus versos con la música de su lira. El espectador no debe reconocer en esta obra una representación o una reivindicación concreta, sino la búsqueda de la sinestesia entre dos formas de arte: la poesía y la pintura.

Biografía del artista

Nacida en Rusia en 1885, Sonia Delaunay descubre las artes plásticas de forma totalmente autodidacta. Estudia primero en Alemania antes de marcharse a Paris en 1905 para completar su formación artística con las clases de dibujo en el Atelier de la Palette, de Montparnasse. En el corazón de la capital, el artista descubre las vanguardias de los años 20. Se inspira de dos movimientos importantes, el fovismo y el cubismo, de los cuales conservará los colores vibrantes y las composiciones exageradas. En 1910, se casa con el pintor Robert Delaunay con el que creará una prolífica cooperación artística. Juntos, fundan el “Cubismo órfico “(1914-1920) que transcribe el dinamismo de la vida moderna mediante la confrontación de colores según la ley física del contraste simultáneo de Michel Eugène Chevreul del s. XIX. Esta ley estipula que la intensidad del color puede variar según el color que se encuentra al lado.

Otros ejemplos son la obra “Ball Bullier” donde se percibe el alboroto de los bailes populares y la serie “Tour Eiffel” (1910-20), de Robert Delaunay que muestra la energía de la capital francesa. En los años 30, realizan juntos la serie “Rythmes” (Ritmos) en la que los discos pintados revelan el continuo movimiento de los colores.

Esta cooperación artística con su marido solo constituye un pequeña parte de la carrera de Sonia Delaunay. Robert Delaunay muere prematuramente en 1941. La pintura de Sonia Delaunay contiene luminosidad y pura geometría, lo que le aporta una dimensión decorativa. Además de interesarse por el grabado y la litografía, crea modelos de alta costura, tapicerías y pintura sobre textil, ilustrando entre otros los poemas de Blaise Cendrars.

Sus obras son conservadas hoy en día en el Museo Nacional de Arte Moderno de Paris y otras instituciones francesas como la Biblioteca Nacional o el Museo de la Moda-Galliera en Paris.

Como muestra de reconocimiento, la UNESCO confió en el talento de Sonia Delaunay para realizar el cartel de promoción del Año de la Mujer decretado por las Naciones Unidas en 1975. El artista muere en Paris en 1979. 

Si te has leído el texto, ahora,  mira esto: Moving in bold colours

¿Y por qué hablamos de Sonia Dalunay?... porque a continuación 

Jugamos a ser Sonia Delaunay 

LATITUDES

Festival Internacional de Fotografía de Huelva 2016

Latitudes Festival Internacional de Fotografía Huelva 2016 muestra en la Sala Vázquez Díaz/ Iberoamericana, de la Casa Colón la exposición ANTOLOGÍA de Gervasio Sánchez, uno de los más importantes fotoperiodistas de España.

La muestra incluye una selección de los mejores trabajos de este profesional nacido en Córdoba en 1959, que por su labor profesional en numerosos conflictos en todo el mundo ha obtenido diversos galardones desde 1993, entre ellos el Ortega y Gasset de Periodismo en categoría gráfica en 2008; Premio Nacional de Fotografía y Premio Internacional de Periodismo Rey de España, en 2009, o el Premio Julio Anguita Parrado, en febrero de 2011.

La exposición ofrece una cuidada selección de sus mejores trabajos,  la Guerra de los Balcanes; los niños de la guerra; Afganistán, o Sierra Leona, entre otros frentes.

Gervasio Sánchez es licenciado en Periodismo por la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Autónoma de Barcelona, ha trabajado como periodista independiente para diferentes diarios y revistas, especializándose en conflictos armados, cubriendo la mayor parte de los enfrentamientos bélicos en América Latina, Europa y África.

En 1994 se publicó su libro fotográfico «El Cerco de Sarajevo», resumen de su trabajo en la  capital bosnia entre los años 1992 a 1994. También ha realizado el proyecto “Vidas Minadas” sobre el impacto de las minas antipersona en países como Afganistán, Angola y Camboya, y también ha publicado los libros “Kosovo, crónica de la deportación”, en el año 2000, y “Niños de la Guerra”, recopilando su trabajo de casi veinte años en unos quince conflictos armados. (Huelva.Ya)

Gervasio Sánchez. Foto de Sergio Ruiz

Imprescindible ver el documental:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/imprescindibles/imprescindibles-gervasio-sanchez-testigo-guerra/3332991/

Visita a Latitudes el viernes 8 de abril de 2016

Actividad complementaria

DOÑANA

LA PIEL DE DOÑANA

las fotos de Doñana
Es nuestro parque nacional más famoso, pero nunca lo habíamos visto así. Desde el aire y fijándonos en sus geometrías: las curvas de la naturaleza frente a la línea recta que impone el humano. Sobrevolamos las marismas,
Héctor Garrido, fotógrafo y censador de aves  fotografía las " formas que, a ras de suelo, se ocultan en el horizonte plano e inmenso del bajo Guadalquivir, pero son las que crean la hermosa imagen que se atisba desde el cielo"

Héctor Garrido. Imagen de Doñana

ARMONÍA FRACTAL DE DOÑANA

la geometría de Doñana.
" Por un lado, la geometría euclidiana, fría, trazada a tiralíneas por la razón del hombre, a golpe de máquina, ya sea ésta un simple arado o una potente excavadora. Por otro, la cálida pero obstinada geometría fractal de la curva y de la bifurcación dibujada sensualmente por la naturaleza". 

UN PROBLEMA MEDIOAMBIENTAL, la transformación del paisaje.

Fotografías aéreas de Héctor Garrido/CSIC de Doñana y las marismas atlánticas andaluzas. Estas imágenes pertenecen a la exposición del mismo nombre. También puede adquirirse el libro "Doñana y las marismas, armonia fractal" en Lunwerg editores, Barcelona.

UNA PELÍCULA que ha descubierto al público un paisaje único  "la isla Mínima", "El paisaje rescatado por Alberto Rodríguez"

Para ver más imágenes espectaculares desde el cielo puedes visitar la obra del fotógrafo Yann Arthus-Beltrand, "La tierra vista desde el cielo", un impresionante, maravilloso y sorprendente recorrido alrededor del planeta.

Ver el vídeo Doñana un equilibrio imperfecto

Je suis Charlie

CREAN EL "PREMIO CHARLIE A LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN"

El Festival Internacional del Cómic de Angulema, el más importante de Europa, ha decidido crear el "Premio Charlie a la libertad de expresión", que entregará anualmente y que dejará de existir el día en que todos los dibujantes del mundo puedan ejercer su trabajo en total libertad.

El premio se entregará a un dibujante de cómic o de prensa que no pueda desarrollar su trabajo en libertad.

(Je suis Charlie)" es el lema colgado en la web del festival (de Angulema), que además afirma en un editorial: "El dibujo, de cualquier época, ha sido para el hombre el modo de expresarse: para decir, compartir, testimoniar, protestar, dialogar, cuestionar, reunir. En una palabra, para aportar ideas".

"El Festival Internacional del Cómic de Angulema, desde su creación, se ha esforzado en dar la palabra a autores de todos los países y nacionalidades. Con toda libertad. No hay otra alternativa", agrega.

"El dibujo es eterno y los dibujantes desaparecidos de 'Charlie Hebdo' estarán siempre en nuestros corazones"

Portada número de la revista inmediatamente posterior al atentado terrorista.

FotoperiodistaS

Steve McCURRY y la niña afgana

"Había una luz suave. El campo de refugiados en  Pakistan era un océano de tiendas. En el interior de una de ellas, la de la escuela, aquella niña fue lo primero que llamó su atención." Era una mañana de 1984, S. McCURRY tomaba la foto de la niña afgana de ojos verdemar que en junio de 1985 daría la vuelta al mundo y se convertiría en una de las imágenes más vistas de la historia de la fotografía, la niña afgana de mirada inquietante y hermosa, desconocida durante 17 años.

17 años después, S. McCURRY viajó a Pakistan y Afganistan hasta encontrar a Sharbat Gula. "El tiempo y la adversidad han borrado la juventud de su rostro, [...] pero sus ojos todavía fulguran.[...]

Sharbat Gula puede escribir su nombre pero no sabe leer. Abriga la esperanza de dar educación a sus hijas (en el momento de la publicación de este artículo tenía tres hijas, la mayor de 13 años y la menor de uno) "Quiero que mis pequeñas tengan cultura -dijo-. Me hubiera gustado terminar los estudios, pero no pudo ser. Lo sentía cuando tuve que emigrar" Dice un proverbio afgano que la educación es la luz que ilumina los ojos."

En el año 2002 NatGeo publicó un artículo con las imágenes de esta mujer cuya foto sin nombre era conocida por todo el planeta menos por ella. Nunca volvió a ser fotografiada. La guerra en Afganistán la expulsó de su país y la dejó huérfana en un campo de refugiados pakistaní donde la encontró S. McCURRY

La lección de anatomía

El doctor Nicolas Tulp disecciona el cuerpo de Adriaan Adriaanszoon. Muerto en la horca en enero de 1632. El cuerpo del criminal se donó al gremio de cirujanos para esta autopsia pública del cadáver más contemplado de la historia.

Rembrandt 

Isabel Delgado Muñoz <isadelgadomunoz@yahoo.es> para plasticonquero@gmail.com Escribió:	28 de nov. (hace 2 días)

Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

• Pintada en 1632 por el holandés Rembrandt. Se conserva en el museo Mauritshuis de La Haya (Holanda). Es el primer retrato en grupo de Rembrandt, cuando tenía solo 26 años. Lo hizo por encargo del gremio de los cirujanos. El cuadro muestra una lección de anatomía impartida el 16 de enero de 1632 por el doctor Nicolaes Tulp, donde explica la musculatura del brazo.

• Datos interesantes:

                     -El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt de 41 años, ahorcado ese mimo día por robo a mano armada.

                

                     -El brazo diseccionado es más largo que el derecho, por eso se supone que el modelo es otra persona.

                

                     -También la mano derecha es distinta. Se supone que pintada después de otro modelo.

                                                             

Rembrandt (1606-1669)

              Pintor y grabador holandés. Se considera uno de los mayores maestros de la pintura barroca y el artista más importante de la historia de Holanda. Cultivó el retrato, el paisaje y la pintura narrativa.

Las disecciones eran un acontecimiento solemne y social al que acudían, esperando ver el lugar donde habita el alma, estudiantes, cirujanos y notables de la ciudad. Estaba prohibido reírse y sustraer órganos.

Andrea rozas garcía escribió:

• Se trata de una pintura al oleo sobre lienzo, que mide 196,5 cm por 216,5 cm. Rembrandt utiliza una teoría tenenebrista que consiste en  contrastes lumínicos de una zona clara o con mucha luz y el resto del cuadro oscuro.

Elisa Barroso Ortiz <elisa.bo2002@gmail.com> para plasticonquero	4 de dic. (hace 5 días)

• Tulp  era el anatomista oficial de la ciudad, permitía sólo una disección pública al año, en invierno, para mejor conservación del cuerpo, y éste tenía que ser de un criminal ejecutado.
• Además de Nicolas Tulp están representados también otros cirujanos. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.
• Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X.

En las escenas de este tipo se  mostraba gran parte del teatro anatómico y de los espectadores. En el cuadro de Rembrandt aparecen solo el cadáver y ocho espectadores, de los cuales dos se añadieron una vez pintado el cuadro, así como la lista de nombres.

Nicolaas Tulp era el único de los cirujanos que tenía titulación académica 

 lección de anatomía en Barrio Sésamo
y un chiste en http://pequenascousaspequenas.blogspot.com.es/2011/06/la-leccion-de-anatomia.html

Tulp consiguió el título en la universidad de Leiden, era médico general en Ansterdam, especialista en anatomía. Rembrandt destaca a este personaje haciéndolo aparecer con sombrero. Llevar el sombrero puesto dentro de una estancia era un privilegio de las personas de alto rango.

La obra se financió entre todos los cirujanos  que aparecen en ella. Los cuadros de grupo contribuían al reconocimiento social y decoraban las salas de los gremios.

Calle de París en un día de lluvia

Gustave Callebotte pintó este cuadro en 1877."La pintura, de 212 por 276 cm, muestra una encrucijada de calles de París en una tarde de invierno: anchas avenidas, grandes perspectivas y fachadas uniformes de casas. Es el París de hoy, pero el artista lo pintó cuando era nuevo y moderno".

Calle de París en un día de lluvia 

El cuadro se expuso por primera vez en el tercer Salón de Otoño de 1877 y pasaron casi 100 años hasta que su obra volvió a ver la luz.
Las calles, fácilmente reconocibles son la  rue de Turin la  rue de Moscou y la  rue Clapeyron  que confluyen en la plaza de Dubin, muy próxima a la gare Saint-Lazare.

El "nuevo" París de la imagen se construyó sobre la antigua ciudad medieval. 
El emperador Napoleón III quería una ciudad con mejores condiciones de habitabilidad, símbolo del progreso. El barón Haussmann llevó a cabo este ambicioso proyecto urbanístico que nos ha legado el París de calles amplias, fachadas unitarias, plazas estrelladas y amplias panorámicas. Un paisaje que nos atrapa, evocador y clásico que entusiasmo a Caillebotte por su modernidad.

Caillebotte pertenecía al grupo de pintores de Renoir, Monet, Degas, Pissarro y Sisley. Crearon una asociación para exponer sus obras. El cuadro de Monet Impresión, sol naciente legó al grupo el título de impresionistas. 
Caillebotte admiraba a sus compañeros y compró obras de todos ellos haciendo las veces de mecenas.

Aspecto actual de la confluencia en la plaza de Dublín de las calles Turín, Moscú y Clapeyron en París, donde acontece la escena pintada por Caillebotte.

Creatividad

"La creatividad nos diferencia de los animales"

FUERZA VISUAL

Sigue el documental donde se cuenta y muestra como se gestaron los últimos espectáculos de la Fura dels Baus. Nada se resiste a la fuerza creadora

Bienvenidos al curso 2014-2015 

¿CUÁNTO PESA SU EDIFICIO SR FOSTER?

Foster 
Torre Swiss Re de Londres

"A veces pienso que veo cosas que otros no ven"

" Interesante documental que narra la trayectoria de uno de los arquitectos más emblemáticos del siglo XXI y su sólida pasión por mejorar la calidad de vida a través del diseño. La película recoge los orígenes de Foster y cómo sus sueños e influencias inspiraron la creación de proyectos como la torre Swiss Re de Londres, el Reichstag, el edificio Hearst de Nueva York y obras como el nuevo aeropuerto de Beijin y el puente más largo del mundo en Millau, Francia, junto a su proyecto más innovador: la Ciudad Masdar (Abu Dhabi), un audaz experimento de sostenibilidad con el que Foster busca dar respuesta al complejo e insostenible futuro inmediato de las ciudades y que está llamado a cambiar el concepto de urbanismo. El documental, escrito y narrado por Deyan Sudjic, director del Museo de Diseño de Londres y uno de los más prestigiosos escritores y críticos de arquitectura del mundo, retrata algunas de las estructuras más extraordinarias de nuestro tiempo. Las construcciones se graban desde un punto de vista cinematográfico y se muestra, de este modo, la espectacularidad de su tamaño. Con un importante valor estético y documental, la película se dirige tanto a los profesionales y amantes del diseño como a cualquiera que disfrute con una obra de arte." (rtve, A la carta)

8deMarz0díadelaMujer

Guerrilla Girls 
re-inventing the "F" world feminism

¡ÚSALO!

Ingres

La gran Odalisca

Retratos renacentistas

Domenico Ghirlandaio, retrato de Giovanna Tornabuoni, 1489 

Además de la fecha de la muerte de Giovanna en números romanos, esto es lo que pone en el cartellino: 

«¡Ojalá pudiera el arte reproducir el carácter y el espíritu! En toda la tierra se encontraría un cuadro más hermoso». 

Leer más sobre el retrato de Giovanna

Museo Thyssen

Holbein el joven, 1528

Dama con ardilla y estornino 

Retrato de Anne Lowell, personaje de la alta sociedad inglesa. 

Tener una ardilla como mascota era una costumbre común de la época.  La desenfadada presencia de los animales contrasta con el gesto rígido y serio de la señorita Anne.

Pisanello, 1438

Retrato de Ginevra d'Este 

La princesa del Este aparece rodeada de mariposas y flores de aguileña.

Ginevra se había casado con Segismundo Malatesta que la mató tras descubrir sus infidelidades. La flor de aguileña recibe también el nombre de flor de los celos. Una mariposa sobre la cabeza representa el alma, es el emblema de la inconstancia.

Alesso Baldovinetti, 1465

Retrato de joven de amarillo

La señorita de la que nada se sabe...

Agnolo Bronzino, 1545

Retrato de Giovanni de Medici

Giovanni, hijo de Cosme I de Medici, gran duque de Toscana y de Leonor Álvarez de Toledo. A los 17 años fue nombrado cardenal. Tenía dos años en este retrato.

Agnolo Broncino, 1542

Retrato de Bia

Bia (Blanca) posó lujosamente ataviada como lo requería su alto rango social. Lleva un medallón con el perfil de su padre, Cosme I de Medici. Murió con sólo cinco años.

 Hacer el puzzle de Bia

Van Gogh: tengo una idea en la cabeza y este es el croquis...

El color de la habitación

 

Carta a Theo
 
22 de octubre de 1888


La Habitación de Van Gogh, boceto

"...te envío un pequeño croquis para darte una idea a lo menos del giro que toma el trabajo. Porque hoy me he vuelto a poner a la tarea. Tengo los ojos fatigados todavía: pero en fin, tenía una idea nueva en la cabeza y éste es el croquis. Siempre tela de 30. Esta vez es simplemente mi dormitorio; sólo que el color debe predominar aquí, dando con su simplificación un estilo más grande a las cosas y llegar a sugerir el reposo o el sueño en general. En fin, con la vista del cuadro debe descansar la cabeza o más bien la imaginación.

Las paredes son de violeta pálido. El suelo es a cuadros rojos.
La madera del lecho y las sillas son de un amarillo de mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, limón verde muy claro.
La colcha, rojo escarlata. La ventana, verde.
El lavabo, anaranjado; la cubeta, azul.
Las puertas, lilas
Y eso es todo-nada más en este cuarto con los postigos cerrados.
Lo cuadrado de los muebles debe insistir en la expresión de reposo inquebrantable. Los retratos en la pared, un espejo, una botella y algunos vestidos.
El marco-como no hay blanco en el cuadro-será blanco.
Esto, para tomarme el desquite del reposo forzado a que he estado obligado... " 

Vincent Van Gogh, Cartas a Theo